La fotografia consapevole di Simona Guerra

Conosco Simona Guerra già da qualche anno attraverso Facebook, e più di recente abbiamo avuto modo di approfondire la nostra conoscenza trovando talora occasione per uno scambio d’idee anche attraverso mezzi più diretti che la parola scritta.

© Wilson Santinelli

Simona si occupa di fotografia da molto tempo e lo fa con metodo e rigore scientifico; la serietà che la contraddistingue di questi tempi nel nostro settore è merce sempre più rara. Il suo impegno in campo fotografico si è concretizzato non solo nel suo lavoro per l’Archivio fotografico di Mario Giacomelli (per lei zio che l’ha iniziata a quest’arte), ma di volta in volta in quello di docente, di curatrice di mostre e di eventi (per citarne uno la manifestazione Giornate di Fotografia che quest’anno è alla sua quinta edizione) e di scrittrice.

Se qualcosa può mai accomunarci, è il nostro interesse verso una fotografia che va oltre ciò che comunemente viene inteso, e cioè una fotografia pensata – e vissuta – come mezzo d’espressione personale, tale da arrivare ad essere potente mezzo di autoconoscenza e valido strumento per il benessere personale. In quanto tale, la fotografia non può che trovare sostegno nella parola (nella scrittura intendo), in quanto questa racconta il nostro esprimerci attraverso il mezzo fotografico, ancor prima che agli altri, a noi stessi . A suo tempo scelsi la dicitura “tra immagine e parola” come sottotitolo a questo blog, proprio perché conscia di questo fatto. Una fotografia che va oltre la superficie ed ha bisogno della parola scritta come una sorta di “fissaggio” che ne stabilizza il senso sia pure transitoriamente, è questo – per come la vedo io – il terreno sul quale ci si incontra.

Su questa maniera d’intendere la fotografia Simona Guerra ha scritto ora un interessante libro, che s’intitola “Fotografia consapevole. Scrittura e fotografia s’incontrano“. E potete di certo immaginare l’entusiasmo col quale ho accolto la sua richiesta di dargli un’occhiata per scrivere eventualmente cosa ne pensassi!

Posso subito dire che l’esperienza non è stata per nulla deludente, malgrado confesso che mi aspettassi qualcosa di un po’ diverso.
Il titolo mi risuona, infatti, molto e scorrerne l’indice mi ha fatto pensare – sono sincera – che avrei voluto scriverlo io un libro che parlava di quegli argomenti.
Già di per sé il concetto di una consapevolezza applicata alla fotografia risulta prezioso in un momento storico, come quello presente, in cui molti credono di poter padroneggiare il linguaggio fotografico sol perché la tecnologia digitale consente agevolmente a chiunque di non toppare più una foto dal punto di vista tecnico, motivo per cui poi suppongono anche che basti riprodurre immagini aderenti agli stereotipi modaioli del momento per “fare Fotografia” e dirsi – a seconda dei casi – professionisti o artisti. A costoro sfugge, purtroppo, cosa sia la fotografia e cosa sia la comunicazione delle loro emozioni e/o idee, concetti questi strettamente interconnessi. La consapevolezza è precisamente il loro punto debole.

© Simona Guerra

Ma queste considerazioni sono fin troppo scontate, e infatti la consapevolezza, cui Simona Guerra si riferisce, va ben oltre questo: nella fotografia lei vede un linguaggio finalizzato ancor prima che a comunicare ad esprimersi, e soprattutto uno strumento di verifica, consapevole, in quanto “ha come motivo d’essere l’esperienza sensoriale delle cose della nostra vita, la constatazione della loro esistenza e la presa di coscienza del mondo a noi circostante, sapendo già che tale progetto, per natura, non potrà mai interamente compiersi”. Fuori d’ogni considerazione logica che porterebbe a desistere per senso d’impotenza, l’esigenza di misurarsi col mondo, una spinta interiore propria a chi indaga per il solo piacere della conoscenza, rimane; e non possiamo far altro che tentare di affinare e combinare le risorse che possono meglio aiutarci a tale scopo. In questa ottica, per quanto mi riguarda trovo ovvia l’esigenza di una commistione fra fotografia e scrittura, ma mi rendo conto che per i più ovvia non è, e quindi sono ben felice che ora ci sia questo libro a sottolinearla.

© Simona Guerra

Dopo un preambolo in cui l’autrice spiega le sue motivazioni, il libro si dipana in quattro sezioni.
La prima fa un punto della situazione riguardo a ciò che la fotografia è oggi, prende atto dei mutamenti storici e auspica un adeguamento alla realtà attuale da parte di chi opera in fotografia.

La seconda considera la fotografia in relazione a contesti quali l’arte e il mercato dell’arte, le innovazioni tecnologiche, e quelle istanze psicologiche che sempre più emergono creando sovente confusione e sovrapposizione fra setting psicologici e formativi, e setting artistici. Per ovvi motivi, legati al mio percorso e a ciò che trovo personalmente stimolante, m’incuriosiva soprattutto leggere come veniva configurato il rapporto fra la cosiddetta fotografia consapevole e la cosiddetta fotografia terapeutica.
A tal proposito Simona, con serietà, si esprime in maniera chiara, a fugare le facili tentazioni di omologazione fra ambiti diversi in cui spesso si scade, scrivendo: “La Fotografia consapevole non è la Fotografia terapeutica; … in questi ultimi anni si fa grande uso del termine terapeutico anche nel mondo della fotografia “artistica”. Molti autori parlano del loro lavoro fotografico definendolo terapeutico… la Fotografia consapevole – e la fotografia in generale, come gesto creativo – ben si inserisce fra tutte quelle attività che possono donare sollievo e piacere alla persona che le pratica … non bisogna però confondere la Fotografia consapevole con la fotografia utilizzata a vario titolo in ambito psicologico e clinico”.

© Simona Guerra

Nella terza sezione accosta concretamente i linguaggi della scrittura e della fotografia, vedendo nella seconda “una penna per tutti” e valutando le opportunità che i due medium offrono al fine dell’autoanalisi e dell’espressione di sé.

A differenza del resto del libro, che ha uno stile che va dal saggistico all’ideologico, dando consistenza a un vero e proprio “manifesto” della sua fotografia consapevole, nella parte conclusiva l’autrice usa un registro linguistico che per me è più accattivante: è  quello proprio al racconto delle storie di vita, che ha l’efficacia di una testimonianza resa in maniera sincera, autentica  e pertanto emotivamente coinvolgente. In questa testimonianza personale trovano pieno senso e coerente spiegazione le motivazioni intrinseche di quella che altrimenti potrebbe sembrare soltanto una presa di posizione ideologica.

Nel leggere questo libro, che per quanto mi riguarda ho trovato stimolante, mi sono più volte scoperta a pensare che mi sarebbe piaciuto suggerirne la lettura ai miei studenti, e però anche a chiedermi se una lettura come questa sarebbe per loro infine chiarificatrice o se non verrebbe magari fraintesa, complessa e densa com’è di riferimenti colti, fotografici e non solo.

“La mia storia”… edizione 2016

Ph. Rosa Maria Puglisi

“La mia storia”. Costruzione di un diario fotografico esperienziale è un workshop in due incontri, già da me proposto un paio di anni fa, e che ripresento ora in una forma aggiornata. Si terrà il 4 e il 18 giugno a Roma sotto l’egida di Exusphoto.

Ma perché tornare su quell’esperienza dopo due anni? Prima di tutto perché come docente non la considero esaurita, inoltre l’argomento (e le modalità di questo workshop) sono sempre attuali, anzi forse sempre più, proprio da un punto di vista fotografico.

L’esigenza di raccontarsi è qualcosa di connaturato all’animo umano. Come esperienza atavica, ci riporta alla mente addirittura i racconti intorno al fuoco di piccole comunità umane primordiali, che poi sono diventati materia di miti e leggende. Nella versione odierna ci richiama quello storytelling, che oggi va tanto di moda. E sempre più – come sapete – di storytelling si parla in fotografia (anche se non sempre in un modo sensato).

© Rosa Maria Puglisi. Instagram pic, 2016

Raccontare e raccontarsi è social (altro termine in voga!); è un momento fondamentale della socializzazione, ma è anche qualcosa di più: dall’incontro con gli altri, dal confronto e dallo scambio d’idee, sorge inevitabilmente un precisarsi di ciò che siamo e di come vediamo il mondo. La realtà – lo sappiamo – è soggettiva nella misura in cui ci è dato di percepirla attraverso il filtro sia del nostro equipaggiamento sensoriale e cognitivo (non così perfetto) sia delle interpretazioni che le esperienze passate determinano. Tuttavia esiste una realtà “condivisa”, frutto dei reciproci “aggiustamenti” originati da quelle situazioni in cui, quotidianamente e in maniera del tutto automatica, confrontiamo la nostra di storia con quella degli altri.
La fotografia oggi diventa uno strumento potente per la sua forza evocativa e per le sue implicazioni psicologico-culturali. Tanto per dirne una, persiste l’idea che sia un veritiero documento della realtà e che “vale più di mille parole” (insomma dice, racconta molto). Opinioni confutabili queste, e tuttavia vere; a patto di inserirle in un giusto contesto. Di che realtà stiamo parlando? Di che tipo di racconto stiamo parlando?

Nel workshop che ripropongo i partecipanti saranno accompagnati in un percorso verso una maggiore consapevolezza del linguaggio fotografico come strumento di comunicazione, e stimolati a mettersi in gioco per esprimere il proprio mondo, in modo da giungere all’ideazione e alla realizzazione di una “narrazione fotografica”, grazie all’acquisizione di un maggior senso di libertà creativa.
Mi servirò sia di una didattica fotografica tradizionale, che di metodologie  di matrice gestaltica, derivate dalla mia formazione come “operatore a mediazione artistica della relazione d’aiuto“. Questo tipo di conduzione fa di questo percorso un intervento che mira anche all’empowerment individuale.

“La mia storia” è un workshop rivolto a persone (anche prive di un’istruzione specifica in campo fotografico) che sentano l’esigenza di raccontarsi ed esprimere la propria visione del mondo attraverso la fotografia e non solo.
Suo obiettivo finale è la realizzazione di un racconto fotografico autobiografico che renda conto dei propri vissuti e della propria immagine della realtà. Obiettivi intermedi: far sviluppare abilità di base per l’espressione fotografica e dare un sostegno nel far maturare un senso di libertà espressiva personale.

Per quanti volessero saperne di più sulle teorie e le pratiche legate a questo approccio vi rimando a questo link:  https://rosamariapuglisi.wordpress.com/#In-Sight

© Rosa Maria Puglisi, Instagram series, 2015-2016

 

 

Monica Delli Iaconi: fra fotografia e scrittura

Copertina de “La Protagonista è assente “

Ho conosciuto Monica Delli Iaconi qualche anno or sono su facebook, dove condividevamo diverse amicizie, prima d’incontrarla dal vivo. E a quel punto avevamo la sensazione di essere amiche di vecchia data. Non solo perché ci eravamo più volte confrontate – anche animatamente – via chat, ma soprattutto per il fatto d’esser state entrambe allieve di Giuliana Traverso. Il riconoscimento di un’esperienza che aveva lasciato in noi un’importante impronta, insomma, ci rendeva vicine.
Fotografa e insegnante, Monica ha ormai da tempo ha messo in luce il suo talento di scrittrice, servendosi inizialmente della parola a commento delle proprie immagini. Con una raccolta di “pensieri sparsi” dal titolo “Il re senza corazza” (edito da Matithyàh) ha temporaneamente rinunciato alla protezione di un filtro – quello della fotografia – attraverso cui guardare al mondo in una modalità sicura e protetta. Quell’esperienza ha  certamente avuto per lei il sapore di un mettersi in gioco in maniera nuova, di un esprimersi in maniera diretta lasciando emergere – senza le ambiguità semantiche proprie della fotografia – suggestioni personali profonde. Ma ne “La protagonista è assente”, suo ultimo libro, la fotografia ritorna. Non da protagonista (in un lavoro in cui il titolo stesso rimarca come il concetto stesso di protagonismo sia bandito). Tanto meno ancella della parola.
Fotografia e scrittura s’intrecciano in questo libro con pari dignità allo scopo di portare in luce temi universali in cui ognuno può riconoscersi: il sogno, l’amore, la speranza, la memoria e le aspirazioni future. Come scrive nel presentarlo Bruno Sullo, l’autrice “offre una molteplice e diversificata prospettiva di lettura: consente il piacere dell’immagine e, al tempo stesso, l’acquisizione dello straordinario contributo di contemporaneità espresso dai testi. I due elementi sono complanari e contemporanei, inscindibili eppure autonomi”. In questa maniera i due testi, quello scritto e quello visivo, invitano il loro lettore a partecipare nella costruzione di un senso, aggiungendo – attraverso la loro libera interpretazione – molto del loro sentire.

Mi fa piacere condividere, dunque, con voi questa breve chiacchierata a proposito del suo lavoro creativo. Brevi battute che, mi auguro, possano incuriosirvi su questa autrice tutta da scoprire.

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– Buongiorno Monica, ti va – innanzi tutto – di raccontarci come e perché ti sei avvicinata alla fotografia?

Mi sono avvicinata laal fotografia grazie a mio padre: comprò una zenit con gli obiettivi base (gradangolo tele e 50mm) e cominciò a fare fotografie, da autodidatta. Mi affascinò e cominciai a osservarlo e a studiare su un piccolo manuale, la tecnica fotografica. Avevo circa 12-13 anni.

– Il tuo lavoro d’insegnante e la  tua formazione culturale, quanto hanno pesato sul tuo fotografare e sulla tua scrittura?

Fare l’insegnante è stata una mia scelta. Dopo la scuola superiore decisi di iscrivermi a Pedagogia contestualmente cominciai a lavorare nel sociale. Cominciai a capire se potevo specializzarmi un po’ anche con la fotografia. Sono degli anni delle scuole superiori, le mie riflessioni e indagini sui corsi di foto. Molto costosi, alcuni fuori da Genova, quindi improponibili. Poi verso la fine degli anni 80 scoprii che a Genova c’era una scuola di fotografia particolare. Riservata a sole donne e condotta da una esperta e stimata fotografa in campo internazionale: Giuliana Traverso. Appena guadagnai il mio primo stipendio mi iscrissi. Ecco è stata la formazione pedagogica unita al metodo di insegnare fotografia di Guliana a formarmi. E sicuramente hanno influito moltissimo sul mio modo di “guardare attraverso l’obiettivo”. La scrittura, almeno la mia, non era prevista. Possiamo chiamarla un’evoluzione del percorso creativo. Decisi di fare la mia prima mostra perché avevo voglia di realizzare un progetto covato da tempo: tradurre in immagini le poesie di Montale. Era il 2004. Da allora ogni mio progetto fotografico si dotò di testo. Parole di altri. Finchè un giorno, in treno, non buttai giù alcuni pensieri. Fu l’inizio del Re senza corazza.

– Come scegli se esprimerti attraverso l’immagine o la parola?

Direi che non lo scelgo, a volte sono imprescindibili l’uno dall’altra, a volte mi sento di esprimermi più con l’uno a volte più con l’altra. Stati d’animo. Attualmente c’è una spinta verso la narrazione.

– Il titolo “Il re senza corazza” faceva riferimento ad un mettersi a nudo nel momento in cui mettevi momentaneamente da parte la fotografia. E’ forse proprio la fotografia, per te, la corazza a cui si fa riferimento?

– No esattamente il contrario: la fotografia mi ha permesso di “uscire fuori” di mostrarmi, di offrire le mie emozioni. La corazza nasce dalla riflessione sull’incapacità di mettersi a nudo, in generale non solo la mia, e sul concetto che non è mostrandosi “corazzati” che si governa meglio il proprio regno.

– Quanto nella tua produzione creativa ha che fare con le tue emozioni e quanto con la necessità di comunicare le tue riflessioni razionali sulla vita e la società?

Le emozioni sono l’incipit di entrambe le scritture. Le riflessioni su ciò che accade intorno a me o nella mia vita mi suscitano movimenti emozionali che sublimo scrivendo o fotografando.

 

Copertina de “Il re senza corazza”

Monica Delli Iaconi, si è laureata in pedagogia con una tesi sulla fotografia. Ha vissuto a Genova fino al 1992, dove ha frequentato la scuola di fotografia diretta da Giuliana Traverso “Donna Fotografa”. Attualmente vive e lavora in Toscana nella provincia di Pisa. Ha esposto le sue fotografie in varie mostre in Italia e in Germania. Alcune sue fotografie sono diventate le scene di un’opera lirica per ragazzi dal titolo “Il figlio cambiato”, presentata al Teatro Verdi di Pisa. Ha lavorato come fotografa di scena presso Festival Teatro Romano di Volterra.

Dal 2008 al 2010 ha tenuto corsi di fotografia presso varie associazioni sul territorio della Valdera. Con Matithyàh ha pubblicato: “Grazie di cuore” e “Ad occhi aperti nei secoli dei secoli” che hanno accompagnato gli omonimi eventi espositivi e culturali, e la prima raccolta di pensieri e fotografie intitolata “Il re senza corazza”, e “La protagonista è assente”.

La trasformazione secondo Yelena Steffen Milanesi (d’après Bowie)

Un nuovo tributo  fotografico alla figura di David Bowie,  e una nuova meditazione sul concetto di trasformazione. a lui ricollegabile. Quello che pubblico oggi è il terzo contributo nato da un’iniziativa, in cui ho coinvolto alcuni dei miei amici (quella di  cui dicevo  in questo post).
Yelena Steffen Milanesi ne è in più modi autrice, oltre che protagonista, con uno stile che unisce un’elegante leggerezza alla sua consueta intensità (di altri suoi lavori avevamo avuto già modo di raccontare su questo blog). Il prodotto finale che ci propone sono di fatto due serie di autoritratti, in realtà fermi immagine scattati durante delle performance, in cui Yelena indossa abiti da lei creati e ispirati a due momenti della carriera artistica del cosiddetto Duca Bianco. E una delle due performance nasce proprio dalle suggestioni ricavate dall’immagine elegante di questo alter ego di Bowie.

© Yelena Steffen Milanesi. Still da performance ispirata a David Bowie (come White Thin Duke)

“David Bowie è stato di ispirazione per moltissimi miei progetti, la sua ecletticità ed il suo essere alieno e perfettamente appartenente al mondo sono strabilianti!”, racconta l’altrettanto eclettica Yelena.

© Yelena Steffen Milanesi.

“Le performance sono 2”, spiega, “una riferita al periodo The Man Who Fell on Earth 1976 e la seconda the White Thin Duke, diverse ma ugualmente legate a David Bowie.
Un primo periodo più glamRock, che mi permetto di collegare – almeno da un punto di vista prettamente estetico – al successivo periodo musicale Dance, pur sempre glam ma ormai trasfigurato nella sua versione più pop-glitterata, fine anni 70; mentre per il Secondo periodo, più matura, ho scelto un bn più riflessivo e neo dandy”.
Riguardo a come è nata la sua passione, per questo artista che l’ha tanto ispirata, ci racconta: “Ho conosciuto l’eccezionale personalità di David Bowie verso la fine degli anni ‘90, quand’ero appena adolescente, attraverso il film The Man Who Fell to Earth del 1976, dopo questo primo carismatico impatto sono andata a scoprire tutti i lati della sua poliedrica attività artistica. La capacità di oscillare tra diversi generi e mantenere sempre una forte individualità: dall’irraggiungibile Ziggy Sturdust all’eccentrico dandy de il Duca Bianco; dal fascino delle tute da ballerino GlamRock, che furono foriere della rivoluzione unisex negli anni ‘70, alle recentissime ballate struggenti di Blackstar. Mi sono ispirata molto spesso a questo eccezionale artista, per abiti e fotografie, come dimostrano questi scatti – di cui sono sia la fotografa che la performer – in cui prendo spunto dalle sue molteplici trasformazioni.

© Yelena Milanesi. Ziggy in the galaxy

Stimo il suo messaggio di sfida alle convenzioni, l’essere stato pioniere di rivoluzioni sociali attraverso l’arte, non solo quella musicale ma anche visiva e del costume, l’essere stato musa iconoclasta e di tendenza allo stesso tempo.
Un mio recente lavoro, vestiti foto e perfomance fatti da me, è Ziggy in the galaxy…umile rivisitazione di una vera Icona!!”.

Ringrazio Yelena Milanesi per il suo tributo e vi invito a vedere altre sfaccettature della sua variegata produzione sul suo sito: https://yelenamilanesi.carbonmade.com/

 

 

 

La trasformazione secondo Alessandra Vinotto (d’après Bowie)

A distanza di un mese vi propongo un nuovo tributo a David Bowie e al concetto di trasformazione che l’artista ha sempre incarnato:  “Mi farò acqua: liquida essenza, gelida materia, lieve sostanza”.

Alessandra Vinotto, “Mi farò acqua: liquida essenza, gelida materia, lieve sostanza”, 2016

Con queste parole Alessandra Vinotto, poliedrica artista genovese e autrice di quest’omaggio, ce lo introduce spiegandocene il senso: “Conforme alla mia concezione di crescita come cambiamento senza forzature, il farsi “acqua”, ovvero liquido che si adatta ad ogni forma, simboleggia l’adattarsi senza perdere la propria natura.. “Waterale” è il titolo che accorpa alcune mie opere ispirate all’acqua in relazione col mio corpo”.

Riguardo a cosa David Bowie sia stato per lei, ci racconta:”Sin dalla prima adolescenza ero incantata dalla sua musica e dai suoi testi, che per me rappresentavano il top del sound di quegli anni.
Ed essendo io giá all’epoca piuttosto trasgressiva (ma senza mai trascendere nel kitsch o nel volgare), avevo trovato in lui quel senso di composta eleganza nell’essere decisamente diverso.
Inoltre la trasformazione interiore che da allora non mi ha mai abbandonato è sempre stata in sintonia con il suo personaggio in costante mutamento coerente”.

Ringrazio Alessandra per la sua partecipazione a questa iniziativa (e le faccio un in bocca al lupo per le sfide -di vario genere- che sta attualmente affrontando!

Alessandra Vinotto [cliccando sul nome potete leggere anche un’intervista] è  fotografa d’arte, ha all’attivo numerose mostre personali e pubblicazioni internazionali (Vogue, Marie Claire, Herald Tribune, Opera, Amadeus, libri e cataloghi).
Reporter di viaggi e insegnante di fotografia, da qualche anno si occupa di regia e direzione artistica multimediale.
Ha fondato con Francesco Rotunno la RedEye Media, pluripremiata al 3D Film Festival Hollywood di L.A nel 2010 e nel 2011. Altri riconoscimenti: premio speciale al MEI (Faenza), special guests al Dimension 3 (Parigi), al 3D Stereo Media (Liegi), al Capalbio International Short Film Festival, e proiezione al Sundance Film Festival nel 3D Satellite.
Nel 2012 viene premiata dal Sindaco di Genova per la sua attività artistica all’estero.
Prima regista italiana ad aver realizzato un video in 3D stereo, nel 2013 ha diretto “Viceversa 3D” al padiglione Italia della Biennale di Venezia: il primo documentario europeo sull’arte contemporanea girato in 4K.
Sue fotografie sono state esposte a mostre collettive con opere di artisti quali Andy Warhol, Nan Goldin, Joseph Beuys, Jan Saudek, Bettina Rheims, Luigi Viola, Ferdinando Scianna, Kiki Smith, Orlan, Yoko Ono, Vanessa Beecroft, Marina Abramovic , Shirin Neshat.

La trasformazione secondo Pierluigi Vecchi (d’après Bowie)

Una necessità di trasformazione e l’auspicio di andare avanti sotto una buona stella (seppure una “blackstar“!) sono l’occasione che ha fornito lo spunto all’opera di Pierluigi Vecchi, che qui viene presentata. Trasformare la transitoria, anche se imponente e sentita, manifestazione emotiva scaturita dall’inattesa notizia della scomparsa di David Bowie in qualcosa di diverso che una cupa celebrazione.  E farlo attraverso la fotografia.

L’11 gennaio è stato per me uno strano giorno, che ho vissuto in un’atmosfera di sospensione fra l’incredulità e un incombente dolore.
A molti di voi, come a me, sarà capitato quel giorno di scorrere la homepage di Facebook e di vedere un’interminabile sequela di post in memoriam, omaggi di ogni genere e da parte delle persone più inattese. Il mood che, per lo più, si respirava era da “fine di un sogno” e brusco risveglio a una realtà più grigia. Quasi che la scomparsa di Bowie ci orbasse definitivamente di una guida capace di immaginare per noi mondi nei quali ci si potesse muovere in sicurezza; come se ci privasse, senza speranza, di un prezioso ispiratore e d’un esempio, capace com’era di riformulare continuamente la propria ricerca estetica, ricordandoci che tutto scorre incessantemente e cambia, che così dovrebbe sempre essere in una ricerca artistica (in barba alle esigenze dei mercanti d’arte!).
In effetti non so dire con certezza se ciò che riferisco fosse realmente sotteso ai tanti messaggi di cordoglio dei miei amici o se si trattasse piuttosto di una proiezione delle mie personali emozioni; ciò che invece è certo è che quella mattina ho desiderato di poter fare qualcosa  che ci scuotesse da tanta cupezza, spostando il focus della nostra attenzione da una disperato senso di mancanza a una speranzosa “capitalizzazione” del legato artistico di Bowie. Da orfani, quali ci siamo sentiti – mi son detta – ognuno di noi potrebbe forse prendere consapevole possesso di quell’eredità in forma d’ispirazione, che già da tempo ha avuto a disposizione senza accorgersene.
Da qui l’idea, forse un po’ ingenua, di improvvisare una call su Facebook fra i tanti miei amici reali e “social”, che si esprimono attraverso la fotografia, per rendere omaggio all’artista scomparso in un “Bowie Photographic Tribute“. Mi è parso un buon modo per continuare a ricevere ispirazione ed energie positive da qualcuno che ha significato tanto per noi.
Come spunto su cui lavorare ho proposto il tema, appunto, della trasformazione, sia perché David Bowie ai miei occhi ha sempre fatto suo e quasi incarnato questo concetto, sia perché il tributo stesso è nato – come già detto – dal desiderio di trasformare emozioni dolorose e di disagio in un qualcosa di positivo, di trasformare letteralmente la cupezza in luce, grazie alla fotografia. Infine perché l’evento stesso della morte possiamo interpretarlo come una trasformazione.

Alla mia call ha così risposto Pierluigi Vecchi.

Pierluigi Vecchi, TRANSFORM 1 & 2, febbraio 2016. Fotografia (dittico)

E con queste parole ha presentato il suo dittico: “Per me la trasformazione comincia da se stessi: trasformare vuol dire guardare il mondo con occhi nuovi, vedere le cose in modo diverso. Quando vediamo le situazioni da un’altro punto di vista cambiamo le nostre percezioni e cambiamo anche il mondo che ci circonda. Per me “trasformazione” significa anche non perdersi mai d’animo e guardare sempre avanti; a volte, camminando anche sulla stressa strada che ho già fatto mille volte, posso continuare a scoprire cose nuove, magari semplicemente guardandole da una nuova prospettiva: una luce, per esempio; è un po’ come un lampo di luce sul pavimento in una giornata grigia e piovosa…”

Pierluigi Vecchi è un artista multi disciplinare che da anni lavora nell’ambito dei video, della fotografia e delle installazioni d’arte. I suoi video sono stati mostrati in diversi festival internazionali di cortometraggi. Nato inizialmente come pittore si è successivamente concentrato sulla fotografia e sulle opere video anche attraverso esperienze come VJ presso la SAT di Montreal (Society of Technological Arts) e in alcune discoteche. Laureato in belle arti all’Università Concordia di Montreal, in Canada, vive adesso a Londra e lavora nel mondo dei media. La luce l’acqua e i colori sono elementi ricorrenti nel suo linguaggio visivo.

Gli ho chiesto cosa abbia significato/significhi Bowie per lui o per la sua arte, cosa lo abbia spinto ad aderire a quest’idea di un tributo fotografico.
Pierluigi mi ha risposto richiamando alla mente alcuni ricordi: “Il mio primo concerto vero, l’ho visto a 17 anni quando sono andato, da Genova, allo stadio Comunale di Firenze a vedere Bowie in una tappa di un suo tour internazionale, il suo Glass Spider Tour dell’ 87.
Quindi Bowie fa parte della mia adolescenza. Un’altra ragione è che il mio film preferito in assoluto, quello che mi ha spinto a diventare videografo, è stato un film degli anni 80 che è quasi un video e aveva come protagonisti Catherine Deneuve, David Bowie e Susan Sarandon: The Hunger [uscito in Italia col titolo “Miriam si sveglia a mezzanotte”].
Allora ero rimasto impressionato dal suo multiforme talento, come attore, musicista, eccetera…”
Ringrazio Pierluigi per aver aderito mostrandoci questa sua visione, doppiamente legata a Bowie: in quanto espressione della sua personale eredità bowiana e in quanto inconscio rimando a quello che Pierluigi stesso definisce “l’imprinting del lampo di Ziggy Stardust”

Il sito/blog di Pierluigi Vecchi è all’indirizzo www.pierluigivecchi.com

 

Fotografia fra terapia e conoscenza di sé

Segnalo questo incontro, al quale parteciperò anch’io, a quanti volessero approfondire il tema della fotografia terapeutica, che ho trattato qui qualche settimana addietro.
Alcuni di voi hanno già portato il contributo del loro pensiero nei commenti a quel post e mi auguro che altri vorranno farlo in presenza giovedì 19 Novembre.
Sarà una buona occasione per ragionare insieme su un argomento di particolare interesse perché controverso.

Maggiori informazioni potete trovarle sul sito di Nuove Arti Terapie che organizza l’incontro.

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