Alla pagina qui linkata (http://www.edri.org/edrigram/number10.1/whats-wrong-with-ACTA) trovate collegamenti che spiegano quali siano i vari aspetti oscuri di un simile accordo. Accordo che prossimamente verrà ratificato anche dal Parlamento Europeo.

Possiamo dire no, se lo crediamo opportuno; ci sono petizioni come questa: http://www.avaaz.org/en/eu_save_the_internet_spread/?fYjLaab&pv=267

o come quella proposta dal video qui di seguito:

Aderisco volentieri a questa manifestazione di protesta (vedi il messaggio  sotto!) col black out di questo blog per oggi e l’apposizione del nastro di protesta fino a giorno 24. Abbia pazienza chi oggi non potrà consultarlo, nella speranza di poter consultare in futuro ogni blog nel mondo, qualsiasi idea abbia chi vi scrive.

http://fightforthefuture.org/pipa

http://fightforthefuture.org/pipa/artists

“Many websites are blacked out today to protest proposed U.S. legislation that threatens internet freedom: the Stop Internet Piracy Act (SOPA) and the Protect IP Act (PIPA). From personal blogs to giants like WordPress and Wikipedia, sites all over the web — including this one — are asking you to help stop this dangerous legislation from being passed. Please watch the video below to learn how this legislation will affect internet freedom, then scroll down to take action.”

Sono due esposizioni molto diverse fra loro, da una parte una personale che presenta – attraverso un sapiente uso del bianco e nero – un reportage che parla di migrazione e integrazione, dall’altra una collettiva che offre le più svariate interpretazioni concettuali e visive di un “luogo” quotidiano di solito inosservato. Sia pure in maniera differente, entrambe le mostre sono interessanti e ricche di spunti.

Si tratta di “Roma sunu Senegal” di Roberto Cavallini, la cui inaugurazione è prevista per il 13 dicembre alle ore 18, presso la Biblioteca Guglielmo Marconi – Via Gerolamo Cardano 135, Roma; e di ”Living in Lift”, mostra itinerante giunta alla sua tappa milanese, in apertura il 15 dicembre alle 18.30 presso l’ex Chiesa di San Carpoforo, sede del Dipartimento di Arti Visive e del CRAB, via Formentini 1, in  zona Brera.

Linkati ai titoli delle mostre troverete gli articoli che avevo loro dedicato a suo tempo.

]]> https://specchioincerto.wordpress.com/2011/12/10/due-mostre-da-rivedere/feed/ 0 rosmarie https://specchioincerto.wordpress.com/2011/11/15/abcontemporary/ https://specchioincerto.wordpress.com/2011/11/15/abcontemporary/#comments Tue, 15 Nov 2011 10:53:31 +0000 Rosa Maria Puglisi http://specchioincerto.wordpress.com/?p=2684 ]]>

E’ in corso a Roma un’iniziativa (che sarà poi riproposta in altre città) per promuovere l’arte attraverso alcuni suoi interessanti temi, diretta al più vasto pubblico con percorsi aperti alle famiglie e ai ragazzi.

All’interno di essa si parla anche, com’è naturale, di Fotografia e, a tal proposito, vi segnalo il corso tenuto da Daniele De Luigi, critico e curatore, che ha vinto nel 2008 la prima edizione del premio per giovani curatori e critici d’arte “A cura di..”.

Qui di seguito potete leggere il comunicato stampa ed avere indicazioni circa il modo d’informarsi e partecipare…

Arriva a Roma ABContemporary, un percorso formativo di seminari e workshop sull’arte contemporanea e sulle dinamiche del mondo della cultura.

arteprima, l’Associazione culturale di promozione sociale, in partnership con MACROAMICI, Artribune, Studio Pesci di Bologna e ACC&PARTNERS di Roma, presenta ABContemporary – The Update Meeting, un percorso formativo di seminari e workshop che nasce dalla volontà di rispondere all’enorme richiesta di aggiornamento, comprensione e approfondimento dell’arte e dei suoi linguaggi espressivi. Due gli obiettivi principali: generare nuova conoscenza delle dinamiche che innervano il mercato mondiale della cultura e dell’arte contemporanea, sviluppare un collezionismo colto e nuove strategie di evoluzione del territorio.

Il primo ciclo di corsi e di stimolante confronto formativo e didattico inizia a Roma tra metà Novembre e Febbraio 2012 presso la Sala Conferenze del MACRO (Museo di Arte Contemporanea ROMA – sede di Via Nizza), per poi passare ad altre città in Italia. ABContemporary coinvolge luoghi e istituzioni pubbliche e private su tutto il territorio nazionale, con una ricca programmazione di incontri, seminari e proiezioni video e fotografiche ideate con l’intento di avvicinare la gente all’arte e l’arte alla gente, attraverso incontri diretti con i protagonisti del sistema dell’arte.

Il format innovativo di ABContemporary prevede l’alternanza di numerose iniziative collaterali come laboratori ludico/creativi per bambini e adolescenti, coinvolgendo anche le famiglie, per intraprendere un percorso conoscitivo istruttivo e divertente con un’operazione di Edutainment che mira a consentire un pieno apprezzamento delle opere d’arte e dei processi creativi attuali, anche da parte dei non addetti ai lavori, in modo giocoso e stimolante.

Ampia l’offerta degli argomenti nei seminari a cura di docenti, curatori, relatori e professionisti nel campo dell’arte e della comunicazione culturale come Michele Trimarchi, Ludovico Pratesi, Paola Ugolini, Daniele De Luigi fino agli stessi promotori Francesco Cascino, Federico Palazzoli, Massimiliano Tonelli e alcuni ospiti scelti tra artisti e galleristi di spicco, che accompagneranno i partecipanti attraverso un viaggio appassionante nell’evoluzione della produzione artistica contemporanea. L’esperienza di conoscenza sarà costruita attraverso alcuni moduli sui temi dell’arte, della fotografia, della Video Art, dell’installazione concettuale, della scultura per approdare all’economia culturale, alla crescita del territorio fino all’editoria, alla comunicazione culturale, al collezionismo e all’organizzazione del mercato e delle istituzioni.

In linea con le finalità statutarie di arteprima, parte del ricavato ottenuto grazie all’iniziativa ABContemporary verrà destinato ai progetti culturali dell’associazione a favore di bambini e periferie, come sottolinea Francesco Cascino, Presidente di arteprima: “sin dall’anno della sua fondazione nel 2010 la nostra mission principale è sempre stata quella di promuovere la diffusione delle regole della creatività “dal centro alle periferie e viceversa”, al fine di divulgare e sensibilizzare alla cultura artistica nelle aree disagiate, sostenendo gli operatori specializzati attraverso attività di formazione e informazione culturale, in special modo nella cultura visiva”.

A sostenere e condividere questa visione è Federico Palazzoli, Amministratore Unico di Studio Pesci, che metterà a servizio dell’iniziativa la pluriennale espe- rienza del suo ufficio stampa: “Siamo più che entusiasti di avviare questa collaborazione con arteprima e gli altri Partner. Stiamo lavorando con grande passione nel comune intento di favorire una maggiore comprensione delle pratiche che sottendono la nascita di una nuova comunità. Un obiettivo che si integra perfettamente all’attività di STUDIO PESCI, che da oltre 15 anni di fervente attività è Partner di fiducia di Musei, Istituzioni, Gallerie private, Festival e Associazioni nella promozione di eventi artistici e culturali su tutto il territorio nazionale”.

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Il calendario

12-13 novembre 2011

Introduzione ai linguaggi dell’arte: la storia e il recente passato. A cura di Paola Ugolini.

19-20 novembre 2011

L’avvento del contemporaneo. Artisti, movimenti e protagonisti del presente. A cura di Ludovico Pratesi.

17-18 dicembre 2011

La Fotografia: un’arte di confine. A cura di Daniele De Luigi.

14-15 gennaio 2012

Il valore economico e sociale dell’arte contemporanea. A cura di Michele Trimarchi.

21-22 gennaio 2012

Il mercato dell’arte contemporanea. Bene rifugio e rifugio del bene. A cura di Francesco Cascino.

4-5 febbraio 2012

Comunicazione ed editoria nell’arte. A cura di Federico Palazzoli e Massimiliano Tonelli.

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TEMI E MODULI ABContemporary 2011_2012

•Introduzione ai linguaggi dell’arte: la storia e il recente passato.

Docente Paola Ugolini.

La prima parte è dedicata al passaggio dal passato al presente, dall’icona al concetto, dall’immagine all’indagine. Brevi cenni storici sulla nascita dell’espressività classica di tutte le discipline artistiche, aiuteranno la comprensione dell’evoluzione visiva e descrittiva dei fenomeni a cui l’arte si ispira, e dei temi che gli artisti di sempre indagano attraverso le modalità della disciplina creativa, dalla classicità agli anni Venti del ‘900.

• L’avvento del Contemporaneo.

Docente Ludovico Pratesi.

Protagonisti e movimenti del Novecento fino ai nostri giorni, il secolo della rottura, il passaggio dalla figura all’idea, dalla descrizione all’espressione, dall’estetica al Concettuale. Un’analisi approfondita dei nuovi linguaggi espressivi degli artisti noti e meno noti che operano sullo scenario internazionale dell’arte museale e della cultura visiva. All’interno di questo modulo si inserisce una sessione sui nuovi media espressivi come la Video Art. Con i mezzi di comunicazione di massa e, soprattutto, con l’arrivo degli strumenti digitali, della TV e del cinema, gli artisti sentono l’esigenza di correlarsi ai tempi: dopo la Fotografia nasce la Video Art, disciplina creativa di nuova generazione legata allo spirito del tempo.

• La Fotografia: un’arte di confine.

Docente Daniele De Luigi.

Dai maestri delle origini agli artisti di oggi, la fotografia è sempre stata un’arte “contemporanea”, predisposta alla contaminazione e legata alla società e alla cultura del proprio tempo. Dallo stile documentario all’immagine costruita, dal reportage al formalismo, dalla purezza del medium alla sperimentazione linguistica: la fotografia, con i suoi caratteri specifici, si è fatta arte ogni volta che il fotografo ha saputo, attraverso la sua visione, modificare la nostra percezione e comprensione della realtà.

• Il valore economico dell’arte contemporanea.

Docente Michele Trimarchi.

In questo seminario il docente di economia della cultura traccerà la catena del Valore dell’arte per lo sviluppo del territorio e delle istituzioni. Dal disegno urbano ai musei, dall’impatto benefico su città e società, al plus valore turistico e immobiliare.

• Il Mercato dell’arte contemporanea.

Docente Francesco Cascino.

Il seminario è volto ad approfondire il tema dell’economia dei mercati culturali, con un riferimento preponderante all’arte contemporanea. Mediante un confronto tra le dinamiche italiane e quelle di altri paesi caratterizzati da dinamiche organizzative, progettuali e gestionali mature, saranno analizzati le caratteristiche dei distretti culturali e i diversi attori che vi operano, le tipologie di mercato e i pro- cessi di consumo culturale, fino a individuare la prospettiva dei mercati emergenti e i criteri di individuazione e selezione della Qualità.Il seminario ha come obiettivo la netta demarcazione tra comprare e collezionare, tra arredare e arricchire la propria vita, sia in termini culturali, sia in termini economici individuali e collettivi.

• Cultura visiva: Editoria e Comunicazione.

Docenti Massimiliano Tonelli e Federico Palazzoli.

Il seminario è volto ad approfondire lo scenario culturale e, in particolare, dell’arte relativamente all’editoria contemporanea in Italia. In particolare, saranno presenti riviste e case editrici che, uscendo dal limite fisico dello strumento cartaceo, operano come opinion maker e operatori culturali indipendenti, a testimonianza di una continua ricerca di differenti orizzonti nella cultura del presente, con cenni sto- rici sulle esperienze del passato.Durante lo svolgimento dei seminari sarà aperto un laboratorio ludico artistico per bambini e adolescenti, animato da esperti di didattica artistica, in modo da consentire la piena fruizione degli incontri agli adulti e al tempo stesso di “iniziare” anche le giovanissime generazioni al piacere dell’esperienza creativa.

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Info e contatti

Francesco Cascino: cascino@arteprima.org

Ida Panzera: ida.panzera@arteprima.org

Irene Mursia: macroamici@gmail.com

www.arteprima.org

www.artribune.com

www.macro.roma.museum

www.accpartners.it

www.studiopesci.it

A porre rimedio a tale stato di cose facendo luce su “l’altra metà dell’arte”, sono intervenute studiose, che hanno dedicato la propria opera dapprima a restituire visibilità a figure femminili misconosciute, in seguito a dar voce alle istanze delle nuove artiste. In Italia questi studi hanno avuto alterna fortuna e tutt’oggi stilandone una bibliografia ci si ritrova con un breve elenco, nel quale la più recente acquisizione è Donne d’arte. Storie e generazioni, edito da Meltemi. Il volume, curato da Maria Antonietta Trasforini, è il risultato di un ciclo di conferenze organizzate fra il 2004 e il 2005 dall’Unione Donne Italiane e dalla Casa delle Donne di Pesaro.

È “un piccolo ma significativo puzzle”, forse un po’ discontinuo nel catturare l’attenzione del lettore; i pezzi che connette, scritti da storiche e critiche d’arte, ma anche da artiste, ricompongono per mezzo di una molteplicità “polifonica” di prospettive una visione variegata di quello che è l’arte al femminile a partire dal secolo scorso. La prima parte del libro si limita a render conto delle principali tappe della conquista da parte delle artiste di un proprio spazio “professionale” inalienabile, lottando contro pregiudizi sociali cui talora esse stesse aderiscono; la seconda è uno spaccato significativo del panorama teorico-artistico al femminile a partire dagli anni Sessanta.

A differenza di un’analoga raccolta di testi, dal titolo l’arte delle donne, pubblicata nel 2001 dalla medesima casa editrice e che già beneficiava dell’apporto di alcune delle autrici riproposte in quella attuale, qui non si tratta di fotografia. Almeno non nel suo specifico. Riappare qua e là fra le righe. Come nell’interessantissimo saggio su Carla Lonzi, in cui se ne parla come di un elemento che introduce una forte connotazione temporale all’interno di un discorso personale, restando tuttavia mero strumento d’illustrazione. Altrove ritorna, invece, fagocitata nei più complessi discorsi di artiste contemporanee quali Luisa Lambri e Annalisa Cattani.

Del resto, in un contesto come quello dell’arte contemporanea, appare perfettamente naturale e coerente che la fotografia sia considerata alla stregua di una qualsiasi tecnica (come la pittura o la scultura) al servizio della progettualità artistica. Questo approccio sicuramente accomuna le artiste ai colleghi uomini, laddove altri elementi legati per lo più a sfumature psicologiche – nelle quali l’educazione parrebbe tuttavia avere un ruolo determinante – si dimostrano ancora soggetti a connotazioni di genere.

[Già pubblicato su Cultframe]

© Franco Borrelli

Confini, la rassegna fotografica italiana che ha per filo conduttore la fotografia al confine in termini di linguaggio o di tecnica importati da altri media, inizia quest’anno a Torino il proprio ciclo espositivo, per concludersi, dopo 8 mesi, a Trieste.

La nona edizione di questa rassegna annuale, ideata e organizzata da PhotoGallery di Firenze e MassenzioArte di Roma, presenta cinque autori che intervengono sul supporto fotografico con interessanti tecniche personali.

Anna Fabroni            Spessori Silenziosi

Bruno Taddei            Graffi dell’anima

Franco Borrelli         From Inside

Alessandro Pagni     Sussidiario Egoista

Sandro Rafanelli      Phantasmagoria

Gli autori presentati sono stati selezionati fra circa 170 candidati che hanno risposto allo specifico bando di concorso pubblicato sul sito web www.photographers.it, partner culturale della manifestazione, e dodici autori proposti dalle associazioni che partecipano a Confini.

Confini ha una particolare attenzione alla fotografia italiana ma ha sempre avuto una visione di ampio respiro grazie alla nutrita presenza di autori italiani con relazioni internazionali e di stranieri che operano in Italia quali ad esempio Susan Kammerer (USA), Angelina Chavez (Germania), Robert Marnika (Croazia), Sabine Korth (Germania), Roberta Vivoli (USA).

Un interessante dato statistico emerge dal bilancio delle passate edizioni della rassegna: il 50% di autori che hanno partecipato a Confini sono donne. Questa forte partecipazione femminile dimostra la vivacità, se non l’interesse, delle donne per una fotografia progettuale e “critica”.

Le immagini di Confini vengono esposte sul sito web www.photogallery.it in contemporanea alla prima inaugurazione “fisica” di Torino. Confini è ormai il principale appuntamento annuale in Italia per presentare nuovi autori fra quanti propongono un modo alternativo di immaginare la fotografia; autori forti di un proprio linguaggio, che ci mostra la loro visione della realtà.

Torino        Fusion Art Gallery          15 – 30 settembre 2011

Firenze       PhotoGallery                    10 – 22 ottobre 2011

Roma           MassenzioArte                10 -20 novembre 2011

Milano        Polifemo Fotografia        16 gennaio – 3 febbraio 2012

Genova       VisionQuest                      23 febbraio – 8 marzo 2012

Trieste        Sala Fenice                        18 aprile – 11 maggio 2012

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AUTORI

Anna Fabroni  (Sora, 19/04/1976).  A diciotto anni inizia a lavorare come modella poi, quando un fotografo le regala la sua prima macchina fotografica, realizza una serie di autoritratti che vengono premiati a Savignano (2004) e in seguito diventano un libro con prefazione di Denis Curti. Attualmente lavora come fotografa di moda e parallelamente conduce le ricerche personali sugli universi più disagiati dal punto di vista psicologico, tiene workshop sull’autoritratto terapeutico.
…. nascondermi è solo un modo per essere trovata. che se dell’assenza ho imparato a parlare attraverso piccoli frammenti di ciò che un giorno è stato altro, dell’amore racconto attraverso questi segni che, restano. graffi, strati di polvere, muffe, apnee emotive. divenire altro mettendo sulla pelle tutto in bella vista.

Bruno Taddei (Cittiglio, 23/051962). E’ approdato alla fotografia nel 2004 dopo trarcorsi di pittura e scultura i cui echi si ritrovano nelle contaminazioni linguistiche dei sui lavori. Ha messo a punto una personale tecnica “di graffio” delle sue fotografie che, essendo completamente manuale, trasforma ogni lavoro in un pezzo unico. Nella vita professionale è referente alla formazione e l’inserimento lavorativo di giovani disabili psichici, presso il CFPIL dall’Agenzia Formativa della Provincia di Varese.
…. Attraverso lame incido la mia paura di essere solo. Attraverso lame incido la carta. Attraverso nuove immagini scolpisco le preesistenti. Trasformo ciò che è stato in ciò che è. Trasformo in carezza creativa un atto meccanico. Trasformo il figlio dell’obiettivo in figlio della mia mano. Mi riapproprio di una parte di me, mi approprio delle paure Mi approprio del mio coraggio. Conosco la profondità con i graffi sulla superficie. Conosco ciò che finora non ho mai voluto
conoscere. Conosco me stesso. Riconosco i graffi dell’anima. (Sandro Iovine)

Franco Borrelli (Torino, 09/08/1972). Fotografo professionista, esordisce alla IX Biennale Internazionale di Fotografia di Torino (2001) e fra i sui lavori c’è la serie di gigantografie ad altissima risoluzione in mostra al Museo di Scienze Naturali di Torino. Per Confini09 sintetizza un decennio di fotografia di reportage con un ripensamento sull’essere umano ed il suo rapporto con l’habitat.
….. Un indagine sull’essere umano ed il suo rapporto con lo spazio del suo habitat. Da questo presupposto si è sviluppato un interesse allargato al rapporto fra le dimensioni fisica e psicologica dell’esistere. Lo spazio occupato dagli individui, la comunicazione che questi instaurano con gli altri esseri viventi, il rapporto regolato o entropico con l’ambiente naturale e/o artificiale alle diverse latitudini. Da scatti di reportage, in cui nulla è costruito, emerge la dinamica del rapporto tra corpo e architettura che coincide con quella esistente tra corpo e psiche.

Alessandro Pagni (Lucca, 07/01/1980). Laureando in Storia della Fotografia a Firenze, interessato a tutto quello che ruota intorno al medium fotografico (sotto l’aspetto storico, critico e pratico), realizza collage fisici e digitali.
…. Non sono mai riuscito a tenere un diario in modo costante, ma è qualcosa che esercita in me un fascino incredibile, tanto da sentire l’esigenza, durante gli anni, di raccogliere oggetti, impressioni sfuggenti e piccoli appunti di vita. Il
“Sussidiario Egoista” si è rivelato il contenitore adatto per tutti quei cimeli e quei giorni passati, fragili e biodegradabili: un archivio “egoista”, per la personale “memoria storica” del sottoscritto.

Sandro Rafanelli (Pistoia, 08/07/1975) Vive e lavora a Firenze, affiancando all’attività di fotografo a quella di sviluppatore software. E’ presidente dell’associazione culturale PhotoCompetition (www.photocompetition.it) e cura il blog di approfondimento fotografico BecauseTheLight. I suoi lavori sono stati esposti a Roma, Firenze, Arezzo, Venezia e Londra.
….. Phantasmagoria. Fantasmi, rimpianti e pietre di lapidi. La fotografia pittorialista del periodo a cavallo tra Ottocento e Novecento ha esercitato su di me una profonda influenza e fascinazione, portandomi a creare immagini d’altri tempi. La Fantasmagoria era una forma di spettacolo teatrale che utilizzava una “lanterna magica” per proiettare, su pareti scure o su nuvole di fumo, paurose immagini di scheletri, demoni e fantasmi, suscitando grande meraviglia e spavento tra il
pubblico.

(Dal Comunicato Stampa)

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La divergenza esistente fra “vedere” e “capire”, in un’epoca della totale “visibilità” come la nostra, tende sempre più a divenire drastica, rendendo auspicabile l’avvento di una nuova cultura visuale, che rinnovi gli ormai inadeguati strumenti analitici, ancora legati alla logica tecnocratica (codificata) della parola, piuttosto che ai principi democratici (intuitivi) della visione, che sottendono ad una realtà fatta d’immagini.

Col suo “Introduzione alla cultura visuale“, edito in Italia da Meltemi, Nicholas Mirzoeff intende colmare una lacuna, da una parte creando un’interfaccia per la fruibilità su vasta scala di un argomento solitamente riservato ai teorici ed agli operatori del settore; dall’altra proponendo quella che definisce una “strategia” che funga da struttura interpretativa per una quotidianità vissuta come evento visivo, nel quale cerchiamo informazioni.

Il libro, che sottolinea l’importanza di un orientamento degli studi “dal punto di vista del consumatore, piuttosto che del produttore”, imposta il problema dell’interpretazione dei linguaggi visivi, rilevando la convenzionalità delle loro rappresentazioni a partire dalla pittura rinascimentale, e annunciando il tramonto della corsa ad un improbabile realismo, messo definitivamente in crisi dalle tecnologie digitali.

Con l’appoggio delle teorie barthesiane e benjaminiane, Mirzoeff sottolinea così la peculiare soggettività (nonché democraticità) proprio della fotografia, che dai più è vista erroneamente fin dagli inizi come copia perfetta del mondo; e propone come esempi due visioni molto differenti fra loro, quelle di Weegee e di Nan Goldin (l’una voyeristica, l’altra intimistica), accomunate tuttavia dal tentativo di sovvertire il cosiddetto realismo fotografico, “testimoniando” entrambe non fatti, ma idee o sentimenti.

La sua analisi acquista poi forti accenti antropologici e sociologici, nel riferire come la creazione di stereotipi culturali di alterità sociale, razziale e sessuale, sia stata spesso più o meno sottilmente sostenuta dalla visualità, ma abbia anche in essa trovato forme di riscatto da parte delle “minoranze”.

Ad esempio concreto della nuova tattica interpretativa è infine presentata l’analisi del più grande caso mediatico di tutti i tempi (prima del ben più “spettacolare” attacco alle Twin Towers, che ben si presterebbe a tale analisi): la morte del personaggio simbolo della visual culture per eccellenza, Lady Diana.

Il libro di Mirzoeff ha il merito di porre l’accento non sulla presenza quasi ossessiva delle immagini nella vita d’oggi, argomento ormai vieto, ma sull’instabilità e la variabilità di un mondo-immagine moderno, che è soggetto ai mutamenti del “punto di vista” di chi l’osservi.

Le sue argomentazioni anche se non sempre convincenti, perché talora superficialmente schematiche, sono certamente “avvincenti” e piene di spunti di riflessione per comprendere una società sempre più unita in un’immagine globale, ma pericolosamente intollerante verso ciò che diverso da sé.

[Già pubblicato su Cultframe]

Per un collegamento diretto all’intervista cliccate qui.

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In uno scritto di qualche anno fa, Augusto Pieroni analizzava il sempre più stretto rapporto che lega l’arte contemporanea e la fotografia, vedendo in quest’ultima un potente strumento di conoscenza e di rielaborazione delle forme visive.
Con un nuovo libro, intitolato “Leggere la fotografia”, egli ora indaga gli aspetti prettamente comunicativi di questo mezzo; e lo fa nella maniera più diretta, dando all’opera la forma di un manuale.

Già dal titolo, infatti, l’autore rivela un preciso intento didattico, che trova riscontro nella struttura del testo, organizzato in modo che ad ogni capitolo corrisponda un modulo, con una sintesi degli argomenti trattati all’inizio, e a chiusura l’esame di alcuni casi concreti.
Nella parte conclusiva del volume, sono poi proposte attività (esercitazioni finalizzate a produrre elaborati propri, e letture guidate degli esemplari testi fotografici di alcuni maestri, quali Man Ray e Henri Cartier-Bresson, che rendono il libro familiare ed al tempo stesso appetibile a un target giovanile.

Pieroni, che definisce l’ambito del linguaggio fotografico preoccupandosi d’includervi “testi” di differente aspetto e natura, purché prodotti dalla registrazione su supporto materiale di un flusso luminoso (dal dagherrotipo all’immagine digitale), s’inoltra nella sua dissertazione attraverso tre fondamentali aree analitiche, nell’ordine: contesti, forme, contenuti.
Lo scopo dichiarato è di “organizzare lo sguardo del lettore” per permettergli di “dare un senso” all’immagine fotografica, piuttosto che godere inconsapevolmente e supinamente dei messaggi da questa veicolati.
Così, da esperto docente, l’autore propone un approccio a tutto tondo, che offre a chi legge le basi indispensabili per orientarsi all’interno di un discorso sintetizzante varie forme d’indagine critica.
Scritto in un linguaggio vivace e a volte fin troppo colloquiale, questo libro appare di facile consultazione, ricco di spunti per un percorso conoscitivo che rimane opportunamente aperto e alieno dai vari nozionismi. E’ un avvincente compendio per quanti si avvicinino poco smaliziati alla fotografia.

[Già pubblicato su Cultframe]

Negli «anni cinquanta» Italo Calvino scrive la raccolta di racconti, che poi s’intitolerà “Gli amori difficili”; tema comune in essi è quel “nucleo di silenzio” che resta nei rapporti umani a dispetto di ogni forma di comunicazione, così nel titolo di ogni racconto il rapportarsi con gli altri si trasforma ironicamente in avventura.

“L’avventura di un fotografo” (messa in racconto dell’articolo saggistico La follia del mirino, scritto nel ’55 per il settimanale romano “Il Contemporaneo”), in modo particolare, tratta le difficoltà di comunicazione legate al medium fotografico.

Le idee di Antonino Paraggi, personaggio dal nome emblematico, non-fotografo, ma piuttosto uomo qualunque e filosofo per atteggiamento mentale, sono incomprensibili a «l’uomo fotografico», che si riversa per monti e per mari e, macchina a tracolla, fotografa la propria giornata con moglie e figli; per gli individui di tale specie, come scrive Susan Sontag, «far fotografie, che è un modo di attestare un’esperienza, è anche un modo di rifiutarla, riducendola a una ricerca del fotogenico, trasformandola in un souvenir».

Antonino si avvicina alla fotografia (ed alla realtà) chiedendosi che cosa spinga tanta gente a «prelevare dalla mobile continuità della giornata queste fette temporali dello spessore di un secondo [...] Il gusto della fotografia spontanea naturale colta dal vivo», dice, « uccide la spontaneità, allontana il presente».
La fotografia diventa per lui un’ossessione conoscitiva, che lo porta, dietro ad una macchina fotografica, a chiedersi quale sia il significato degli atti dei fotografi e dei fotografati, e se l’essenza del ritratto possa essere colta in un fluire d’istantanee, che ricostruiscano come in un puzzle l’individuo, o nella maschera sociale di una posa, che rivelerà poco a poco i suoi significati.

Con l’ironia e la lucidità deduttiva che sempre lo hanno contraddistinto, Calvino accompagna il suo personaggio, ed alter ego, attraverso molte argomentazioni care alla critica fotografica, fino ad una soluzione tipicamente novecentista e perfettamente coerente con lo stile e la poetica di Calvino, ovvero: alla fine non ci resta altro che riformulare il già detto, in questo caso rifotografare il già fotografato.
In un’epoca in cui tutto sembra già fatto, e già fotografato, solo questo tipo di fotografia avrebbe ancora senso.
Quanto al senso della Fotografia, forse va citato il Calvino delle Lezioni americane: «Penso a una possibile pedagogia dell’immaginazione che abitui a controllare la propria visione interiore senza soffocarla e senza d’altra parte lasciarla cadere in un confuso, labile fantasticare, ma permettendo che le immagini si cristallizzino in una forma ben definita, memorabile, autosufficiente, “icastica”».

[Già pubblicato su Cultframe]

© Paola Agosti, "Vila. Al piano Roberto Pairone, Fernando Bai danza con Emma Barale de Mondino", 1990

Racconta di un’emigrazione, quella dei piemontesi in Argentina, il volume fotografico dal titolo ”El Paraíso: entrada provisoria” recentemente uscito per le Monografie FIAF; in 46 immagini, che ci conducono con l’intensità del loro bianco e nero in un mondo inatteso dove il tempo pare aver seguito leggi tutte sue, dettate dalla Memoria.

Scattate da Paola Agosti lungo le strade della “Pampa Gringa” (un vasto territorio compreso fra le città di Cordoba, Rosario e Santa Fe) nel corso di diversi viaggi fra il 1987 e il 1991, sono parte di un più complesso corpus, che in parte era stato pubblicato, già nell’88, nel libro “Dal Piemonte al Rio de la Plata: Immagini di emigrazione”.

In questa monografia l’autrice ha scelto di accompagnare ogni immagine con un breve testo: citazioni letterarie ma anche estratti da tanghi e canzoni popolari, che contribuiscono a trasportare chi sfoglia questo libro in una dimensione nostalgica. Non solo, e non tanto, rievocazione di un viaggio esperienziale compiuto in un’Argentina di vent’anni or sono; quanto, piuttosto, rappresentazione di un passato – ormai antico e insieme senza tempo – che la la fotografa ha colto sui volti delle persone ritratte, nei luoghi e nelle consuetudini di costoro, come memoria viva di un’identità  regionale (e nazionale) mai perduta, tramandata anzi attraverso generazioni d’Italiani nati oltre oceano, per i quali “l’Argentina … non è una terra straniera, è un destino, che ha vinto l’assenza di una connessione geografica” (frase di Ludovico Incisa di Camerana, questa, che introduce la monografia).

Sono immagini forti e delicate a un tempo, tipiche in questo dell’opera di Paola Agosti; immagini che fanno riflettere sul senso di tale emigrazione, ma anche delle emigrazioni odierne, coinvolgendo lo spettatore, grazie a un linguaggio immediato che arriva dritto al cuore, col porgergli una realtà priva di retoriche visuali e ricca, invece, di umanità. Immagini ben diverse da quelle con le quali attualmente viene proposto il tema dell’emigrazione in Italia – in televisione o sui giornali – mostrando nient’altro che stereotipi senza nome e quasi senza volto, anziché esseri umani colmi di sogni e speranze; uomini, che vorrebbero soltanto trovare oggi, in Italia, quella stessa “entrata provvisoria al Paradiso” un tempo miraggio dei nostri connazionali partiti per le Americhe.

]]> https://specchioincerto.wordpress.com/2011/08/01/paola-agosti-el-paraiso-entrada-provisoria/feed/ 0 rosmarie copyright: Paola Agosti